Krótka historia kina od połowy XX wieku do współczesności: fragment książki Antona Dolina
Książki Kino / / December 28, 2020
Okres rozkwitu kina autorskiego
Od połowy lat pięćdziesiątych XX wieku na całym świecie pojawili się twórcy filmowi, każdy z własnym stylem i stylem. Jedni szanują się nawzajem, inni wręcz przeciwnie, gardzą, a większość buduje własny artystyczny świat, zamieszkały przez współpracowników i fanów.
Lata 50. - 70. to szczyt popularności kina autorskiego: ludzie je oglądają, zakazują, wychwalają, zaciekle się o nie kłócą, piszą artykuły i całe książki. Po raz pierwszy teoretycy mówią poważnie o kinie jako sztuce, która w niczym nie ustępuje swoim starszym braciom - teatrowi, literaturze, malarstwu czy muzyce.
W Związku Radzieckim, mimo cenzury, autor bezkompromisowy film oraz wyjątkowi artyści: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Aleksey German Sr., Kira Muratova.
Dziesięć filmów do wypróbowania:
- Tokyo Story, 1953, Yasujiro Ozu, Japonia;
- „Seven Samurai”, 1954, Akira Kurosawa, Japonia;
- The Word, 1955, Karl Theodor Dreyer, Dania;
- Siódma pieczęć, 1957, Ingmar Bergman, Szwecja;
- „Adventure”, 1960, Michelangelo Antonioni, Włochy;
- La Dolce Vita, 1960, Federico Fellini, Włochy;
- A Clockwork Orange, 1971, Stanley Kubrick, Wielka Brytania / USA;
- Piękno dnia, 1967, Luis Buñuel, Francja;
- Strach pożera duszę, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Niemcy;
- Lustro, 1974, Andrei Tarkovsky, ZSRR.
New Hollywood
Na ten nurt amerykańskiego kina autorskiego wpłynęło po części kino europejskie i azjatyckie oraz ruch festiwalowy. Jego narodziny są związane ze zniesieniem kodeksu cenzury Hayesa, który określał ścisłe zasady dotyczące tego, co jest dozwolone, a co nie da się pokazać w filmach, a wraz z kryzysem amerykańskiego systemu „studyjnego” utonął w samoregulacji i zmęczony widzów.
Młodzi filmowcy-miłośnicy filmu czuli się częścią światowej społeczności kulturowej. Zrezygnowali ze wszystkich ograniczeń i zgłębili tabu w amerykańskim życiu. W tym samym czasie ich filmy cieszyły się popularnością i otrzymały pełne domy, były nominowane do nagród filmowych i zdobywały je.
Zastąpiły problemy społeczne i badanie traumy zwykłego Amerykanina w filmach New Hollywood konwencjonalne kinematograficzne prawa kina gatunkowego z jego obowiązkowym i często dyżurnym szczęśliwe końce.
Pięć filmów do wypróbowania:
- Absolwent, 1967, Mike Nichols, USA;
- Easy Rider, 1969, Dennis Hopper, USA;
- Ojciec chrzestny, 1972, Francis Ford Coppola, USA;
- Wicked Streets, 1973, Martin Scorsese, USA;
- "Scarface", 1983, Brian De Palma, USA.
Hity
W połowie lat 70. w kinie amerykańskim, a potem światowym, nastąpiła komercyjna rewolucja. Młodzi imigranci z New Hollywood George Lucas i Steven Spielberg kręcą niezwykle popularne filmy gatunkowe dla młodej widowni, które biją wszelkie rekordy kasowe. Od tego momentu Ameryka stopniowo przechodzi od masowej produkcji poważnego kina do publiczność dla dorosłych filmów rozrywkowych dla nastolatków - prawdziwe komercyjne maszyny do zarabiania pieniędzy pieniądze. Nazywa się je „przebojami” - dosłownie „niszczycielami sąsiedztwa”.
Hity kinowe nadal stanowią podstawę potęgi studia Hollywood i witalności amerykańskiego przemysłu filmowego.
Pięć filmów do wypróbowania:
- Szczęki, 1975, Steven Spielberg, USA.
- Gwiezdne wojny, 1977, George Lucas, USA.
- Alien, 1979, Ridley Scott, USA.
- Terminator, 1984, James Cameron, USA.
- Szklana pułapka, 1988, John McTiernan, USA.
Postmodernizm
To słowo przeraża wielu. Z jednej strony nikt nie jest w stanie zwięźle i jasno opisać, co to znaczy. Z drugiej strony napisano o nim tak wiele opracowań i książek, że zbyt wiele znaczy.
W kinie wyraźne przejawy postmodernizmu są lekceważeniem systemu hierarchii (zarówno autorskich, jak i komercyjnych kino), wszechogarniająca ironia, wszechobecne cytaty z klasyki kina, brak moralizmu i pouczający. Oprócz mieszanki gatunków i stylów, braku rozróżnienia między sztuką „wysoką” a kulturą masową, włączenie widza w oglądanie jako rodzaj gry kulturowej, w której proszony jest o odgadnięcie, co tak naprawdę jest w środku uważaj na autora.
Od połowy lat 80. postmodernizm opanował kinematografię na całym świecie.
Dziesięć przykładów do wypróbowania:
- Blue Velvet, 1986, David Lynch, USA;
- „ASSA”, 1987, Sergey Solovyov, ZSRR;
- Kobiety na skraju załamania nerwowego, 1988, Pedro Almodovar, Hiszpania;
- Nikita, 1990, Luc Besson, Francja;
- Sonatina, 1993, Takeshi Kitano, Japonia;
- «Kryminał», 1994, Quentin Tarantino, USA;
- Dead Man, 1995, Jim Jarmusch, USA;
- Breaking the Waves, 1996, Lars von Trier, Dania;
- Funny Games, 1997, Michael Haneke, Austria;
- „About Freaks and People”, 1998, Alexey Balabanov, Rosja.
Festiwale
Pierwsze festiwale filmowe zaczęły się odbywać jeszcze przed II wojną światową. Najbardziej wpływowym pokazem filmowym była Wenecja, założona w 1932 roku z osobistej inicjatywy dyktatora Benito Mussoliniego. Po raz pierwszy festiwal w Cannes miał odbyć się pod koniec tego samego dziesięciolecia jako alternatywa i przeciwwaga dla festiwalu w Wenecji, na którym idee faszystowskie stawały się coraz bardziej wpływowe. Plany nie miały się spełnić: wybuchła wojna. W rezultacie pierwszy Festiwal w Cannes odbył się w 1946 roku.
Za najważniejsze pokazy filmowe w Europie tradycyjnie uważa się festiwale w Berlinie (luty), Cannes (maj) i Wenecji (Sierpień-wrzesień) najbardziej prestiżowymi są ich nagrody: „Złoty Niedźwiedź”, „Złota Palma” i „Złoty Lew” odpowiednio. Ponadto słynne festiwale odbywają się od dawna w Locarno i Rotterdamie, Karlowych Warach i San Sebastian, Toronto i Pusanie.
Na świecie jest więcej międzynarodowych festiwali filmowych niż dni w roku.
Dwudziestu zwycięzców festiwalu do wypróbowania:
- Rashomon, 1951, Akira Kurosawa, Japonia (Wenecja);
- „Pay for Fear”, 1954, Henri-Georges Clouzot, Francja (Cannes);
- „12 Angry Men”, 1957, Sidney Lumet, USA (Berlin);
- Viridiana, 1961, Luis Buñuel, Hiszpania (Cannes);
- Ivan's Childhood, 1962, Andrei Tarkovsky, ZSRR (Wenecja);
- Parasole z Cherbourga, 1964, Jacques Demy, Francja (Cannes);
- Wojskowy Szpital Polowy, 1970, Robert Altman, USA (Cannes);
- The Canterbury Tales, 1972, Pier Paolo Pasolini, Włochy (Berlin);
- „Ascent”, 1977, Larisa Shepitko, ZSRR (Berlin);
- All That Jazz, 1980, Bob Fosse, USA (Cannes);
- „Name: Carmen”, 1983, Jean-Luc Godard, Francja (Wenecja);
- „Paryż, Teksas”, 1984, Wim Wenders, Niemcy (Cannes);
- Red Gaoliang, 1988, Zhang Yimou, Chiny (Berlin);
- Barton Fink, 1991, Ethan i Joel Coen, USA (Cannes);
- The Piano, 1993, Jane Campion, Nowa Zelandia (Cannes);
- Niech żyje miłość, 1994, Tsai Mingliang, Tajwan (Wenecja);
- Spirited Away: 2002, Hayao Miyazaki, Japonia (Berlin);
- Martwa natura, 2006, Jia Zhangke, Chiny (Wenecja);
- „4 miesiące, 3 tygodnie i 2 dni”, 2007, Cristian Mungiu, Rumunia (Cannes);
- „Wujek Boonmi, który pamięta swoje poprzednie życie”, 2010, Apichatpong Weerasetakun, Tajlandia (Cannes).
tak poza tym
Kto potrzebuje festiwali i dlaczego?
Wielu uważa, że jest to rodzaj „targów próżności”, które istnieją tylko dla plotek - chodzenia po czerwonym dywanie. W rzeczywistości festiwale filmowe są rodzajem mechanizmu, który stanowi alternatywę dla hollywoodzkiego studyjnego systemu wypożyczania i reklamy (a także jego odpowiedników na całym świecie).
Profesjonalne jury i krytycy filmowi oglądają zupełnie nowe filmy (najczęściej należą one do dziedziny kina autorskiego) i wybierają te najbardziej utalentowane. Cały świat się o tym dowie: zarówno intryga wokół nagrody, jak i kolumna plotkarska pomogą. Obok festiwali odbywają się targi filmowe, na których zawierane są umowy sprzedaży i zakupu filmów nie tylko komercyjnych i gatunkowych, ale także autorskich, awangardowych i eksperymentalnych. Niemal wszyscy znaczący reżyserzy powojennej historii filmu zasłynęli dzięki festiwalom.
„Oscar”
Ludzkość jest przekonana, że najwyższą nagrodą w dziedzinie kina jest Oscar i nie sposób go przekonać. Ale Oscar to czysto amerykańska nagroda przemysłowa, której współrzędne są ograniczone cała kinematografia niewidoczna: w końcu nagradzane są tylko filmy, które ukazały się w ciągu roku USA.
Może taką wagę przywiązują do nagrody, bo Oscary to spektakularne widowisko. Albo dlatego, że najbardziej znany
gwiazdy na świecie to Hollywood. Ale przede wszystkim oczywiście dlatego, że kino amerykańskie jest najpopularniejsze na świecie.
Powód jest prosty. Francuzi robią filmy dla Francuzów, Duńczycy dla Duńczyków, Hindusi dla Hindusów, Chińczycy dla Chińczyków i Rosjanie dla Rosjan. Istnieją wyjątki od tej reguły, ale są one rzadkie i nieistotne. I tylko Hollywood robi filmy nie dla Amerykanów, ale dla całego świata.
Dwadzieścia najlepszych filmów Oscar do wypróbowania:
- To się zdarzyło jednej nocy, 1935, Frank Capra, USA;
- Przeminęło z wiatrem, 1940, Victor Fleming, USA;
- Rebecca, 1941, Alfred Hitchcock, USA;
- All About Eve, 1951, Joseph Mankiewicz, USA;
- Ben-Hur, 1960, William Wyler, USA;
- Mieszkanie, 1961, Billy Wilder, USA;
- West Side Story, 1962, Robert Wise i Jerome Robbins, USA;
- Lawrence z Arabii, 1963, David Lin, Wielka Brytania;
- Midnight Cowboy, 1970, John Schlesinger, USA;
- „Ojciec chrzestny - 2”, 1975, Francis Ford Coppola, USA;
- Lot nad kukułczym gniazdem, 1976, Milos Forman, USA;
- Annie Hall, 1978, Woody Allen, USA;
- Pluton, 1987, Oliver Stone, USA;
- Rain Man, 1989, Barry Levinson, USA;
- «Milczenie owiec», 1992, Jonathan Demme, USA;
- Lista Schindlera, 1994, Steven Spielberg, USA;
- Forrest Gump, 1995, Robert Zemeckis, USA;
- Titanic, 1998, James Cameron, USA;
- No Country for Old Men, 2008, Ethan i Joel Coen, USA;
- Birdman, 2017, Alejandro Gonzalez Iñarritu, USA.
Znany rosyjski dziennikarz i krytyk filmowy Anton Dolin napisał książkę dla dzieci i dorosłych, w której przeanalizował ważne pytania dotyczące kina. Dlaczego oglądamy filmy? Jak rozumieć język filmowy? A jeśli się nudzisz? Jak zmienia się kino i co się z nim stanie w odległej przyszłości? Bardzo fajny bonus - ilustracje do publikacji narysował Konstantin Bronzit, artysta, animator i nominowany do Oscara.
Kupić książkę
Przeczytaj także🧐
- 10 książek, które obudzą w tobie artystę
- Lista Brodskiego: książki, które musisz przeczytać, aby mieć o czym porozmawiać
- Przewodnik po książkach Harukiego Murakamiego: co w nich jest specjalnego i dlaczego warto je przeczytać