Dlaczego warto oglądać „Płeć mężczyzny”, choć bardzo trudno się z tym oprzeć

23 czerwca w rosyjskich kinach pojawia się nowy film Alexa Garlanda „Męska płeć” (w oryginale po prostu Men). To już trzecia pełnometrażowa praca reżysera, choć osobiście wyreżyserował też wszystkie odcinki serialu „Deweloperzy” (lub „Programiści”).

Od debiutu „Ex Machina” Garland pokochali miłośnicy kina autorskiego: reżyser, który sam pisze scenariusze do wszystkich filmów, zwykle kręci dystopijne science fiction, ale pisze aktualne Tematy.

W 2020 roku Deweloperzy podzielili widzów na dwa obozy. Niektórzy wierzyli, że ta seria była apoteozą stylu Garland. Akcja rozwija się bardzo powoli, a autor podaje w fabule sporo naukowych faktów. Inni uznali, że reżyser tylko przez 6 godzin chwalił się swoją wiedzą o komputerach kwantowych.

A Alex Garland zdawał się słuchać komentarzy publiczności. „Męski”, choć porusza te same tematy, co poprzednie prace, wygląda na znacznie prostszy. To pierwszy przypadek w twórczości reżysera, kiedy akcja nie jest związana z nauką, a nawet

Fantazja.

Tutaj autor trzyma się inaczej. Dostał wciągający obraz, w którym reakcja widza jest niemal ważniejsza niż fabuła na ekranie. Co więcej, przez cały film Garland raczej nie opowiada historii, ale rzuca różnego rodzaju prowokacje, aby wywołać sprzeczne emocje: od śmiechu i empatii po wstręt.

„Męska płeć” porusza bardzo istotne i trudne tematy

Po tragicznej śmierci męża Harper (Jesse Buckley) wyjeżdża z wielkiego miasta na wieś. Wynajmuje piękną posiadłość i chce tam mieszkać sama, żeby się uspokoić i uporządkować myśli. Właściciel domu, Jeffrey (Rory Kinnear), wydaje się być tak przyjazny, jak to tylko możliwe, choć trochę nachalny. Ale potem Harper spotyka szalonego nieznajomego i od tego momentu wszystko staje się jeszcze bardziej przerażające.

Jeśli spojrzysz na reżyserskie historie Alexa Garlanda, łatwo zauważyć, że prawie zawsze czyni kobiety głównymi bohaterami i wiąże samą historię z ich konfrontacją z warunkowym „mężczyzną” świat. Tak, formalnie na taśmie „From the Machine” mówią o programiście, który zainteresował się androidem. Ale to także film o tym, jak dwóch mężczyzn testuje, czy postać Alicii Vikander jest „prawdziwa”. A w Annihilation kobiety-naukowcy zajmują się inteligencją pozaziemską po tym, jak męskie wojsko nie mogło nic z tym zrobić. A nawet wrozwinięty»To dziewczyna dowiaduje się, co dzieje się w tajnym dziale firmy informatycznej.

W The Kind of Man Garland wreszcie czyni konfrontację społeczeństwa z toksyczną męskością centralnym tematem. Ale jednocześnie dodaje do tego poczucie winy, które ciąży na ofierze i zastanawia się, czy istnieje wyjście z niekończącego się cyklu nieporozumień i przemocy.

Aby odsłonić temat, reżyser posługuje się niezwykłą techniką. Wszystkich mężczyzn, z wyjątkiem męża Harper, gra ten sam Rory Kinnear. Oznacza to, że dla bohaterki, w najbardziej dosłownym sensie, wszystkie wyglądają tak samo. To nawet nie jest spoiler, wystarczy spojrzeć na ramki ze zdjęcia.

Kinnear jawi się jako mistrz przebrania i nie chodzi tylko o makijaż (a w jednym przypadku o przerażającą grafikę komputerową): na każdym z obrazów zachowuje się na swój sposób. W komunikacie prasowym do filmu napisali, że aktor nie tylko przemyślał charakter i zachowanie swoich bohaterów, ale także naszkicował ich biografie, aby lepiej zrozumieć bohaterów. Za każdym razem Kinnear przyzwyczajał się do roli tak przekonująco, że nawet ekipa filmowa traktowała go inaczej: chłopak w koszuli Jeffrey cieszył wszystkich, a obsesja seks ksiądz przeraził wielu.

Jedna z najważniejszych dramatycznych scen filmu związana jest z ostatnią postacią, w której dosłownie wyrażony jest cały ból głównego bohatera. Swoją drogą ciekawe, że tekst w dialogu księdza z Harper wymyśliła sama Jessie Buckley. Dlatego nawet przy nieco groteskowej prezentacji brzmi tak realistycznie, jak to tylko możliwe.

W tym momencie mówimy o poczuciu winy i normalizacja przemocy. Co więcej, „Męska płeć” zdradza też, dlaczego reżyser wybrał wieś jako scenę akcji. Dla Harper jedna chwila agresji ze strony męża nakreśliła granicę pod związkiem. Jednak współczesne postępowe miasto opuszcza na pustynię. A tam wciąż mówią zwykłym tekstem, że mężczyźni czasami biją kobiety, nie ma w tym nic złego. Najważniejsze, żeby później przeprosić.

Z każdą sceną staje się coraz bardziej jasne, że wszystko, co się dzieje, jest po części metaforą wewnętrznej traumy samej bohaterki. Próbuje pozbyć się winy za coś, czego nigdy nie była winna. W końcu, chociaż Kinnear gra prawie tuzin postaci, a Buckley tylko jedną, jest tym samym archetypem, ucieleśnieniem nieskończonej liczby kobiet, które znajdują się w podobnej sytuacji.

To prawdziwy horror, czasem nawet zbyt nieprzyjemny.

Male Gender jest reklamowany jako horror, chociaż poprzednie prace Garland częściej były klasyfikowane jako science fiction. Jednak widzowie dobrze zaznajomieni z twórczością autora doskonale wiedzą, że zawsze umiał przestraszyć. Przed rozpoczęciem kariery reżyserskiej autor pisał scenariusze do filmów”28 dni późnieji Inferno Danny'ego Boyle'a. Tak, a w tym samym „Annihilation” dwie niesamowicie przerażające sceny naraz – na przykład pojawienie się „niedźwiedzia” – dadzą sto punktów przed wieloma klasycznymi krzykaczami.

Jednak teraz reżyser w końcu wszedł w gatunek horroru. Aby być bardziej precyzyjnym, zbliżył się do popularnego obecnie post-horroru lub „podwyższonego horroru” (określenie podwyższonego horroru od dawna zakorzeniło się w krajach anglojęzycznych). Garland zapakowała ponury dramat w rodzajową skorupę, uzupełniając go elementami folkloru. Dlatego „płeć męska” łatwiej porównać z „latarnia morska” i „Czarownica” Roberta Eggersa niż z taśmą „Ex Machina”.

Pierwsza trzecia część obrazu wygląda wręcz ironicznie. W jednej ze scen główny bohater wybiera się na spacer po lesie. Łatwo sobie wyobrazić, że konwencjonalny James Wan rzuciłby tuzin krzykaczy w ciągu tych 10 minut. Ale Garland tylko zwiększa napięcie, czasami nawet rozwadniając to, co się dzieje, humorem. Ale zanim wydarzy się coś naprawdę trudnego, nerwy wszystkich będą na krawędzi. Stopniowo film zamieni się w rodzaj analogu ”niesmak„(a nawet cała „mieszkaniowa trylogia”) Romana Polańskiego. W końcu nawet sama Harper nie może zrozumieć, czy to, co się z nią dzieje, jest prawdziwe. Chociaż to nie jest takie ważne.

Jeśli dramatyczna fabuła The Male Clan jest dość prosta, to jej element horroru jest metaforyczny. Reżyser zebrał wiele odniesień do mitologii. I nie chodzi tu tylko o najbardziej zrozumiałą aluzję religijną: zaraz po przybyciu do domu Harper bez pytania zjada jabłko z ogrodu. Są też bardziej złożone odniesienia: na przykład jeden z obrazów Kinnear wyraźnie przypomina folklor Green Man, który wciąż jest przedstawiany w angielskich pubach.

A tak przy okazji, ta jego postać jest najbardziej niejednoznaczna w całym filmie. Być może stwarza mniejsze zagrożenie niż inne wcielenia, właśnie ze względu na bliskość z naturą.

Jednak ci, którzy oczekują od Garland tylko pięknego i intensywnego spektaklu, czekają na okrutną próbę. Pod koniec filmu reżyser zamieni się w prawie Lars von Trier czas Antychrysta. Połączy odniesienia religijne i mitologiczne (google Sheela-na-gig) z naturalistycznym horrorem ciała, z którym poradzą sobie tylko ludzie o najsilniejszych żołądkach.

Jestem pewien, że ostatnie sceny wkurzą wiele osób. Wydawać by się mogło, że autor celowo kpi, zmuszając do odrazy, a nawet wstydu. I to prawda. Częścią tego paskudnych scen jest nie tylko zobaczenie, ale także odczucie przeżyć głównej bohaterki i wielu innych kobiet.

Jednak obraz pozostaje bardzo piękny.

Być może po opisie okropności horror ciała to zabrzmi dziwnie. Ale The Male Gender to także niesamowicie estetyczny film. Garland zawsze strzela z wdziękiem i bardzo klimatycznie. Nawet ci, którzy skarcili „Deweloperów” za fabułę, zwracają uwagę na niesamowitą oprawę wizualną. „Gender male” ze względną prostotą pozwala odsłonić dwa oblicza talentu reżysera.

Z jednej strony Garland świetnie nadaje się do scen plenerowych. Przyroda angielskiego Gloucestershire, gdzie kręcono zdjęcie, jest piękna sama w sobie. A reżyser pozwala też cieszyć się planami niekończących się pól, znowu nawiązując albo do von Triera (nie zapomnijmy, że w "Antychryście" jest wiele pięknych scen, czy to na idolu Duńczyka - Andreyu Tarkowski.

Garland zauważa w komunikacie prasowym, że Male Gender jest jak lustro: widzowie sami zadecydują, co film mówi, a czego nie. I tutaj prawie dosłownie cytuje słowa Tarkowskiego o jego „Lustro». A jeśli przyjrzysz się uważnie zdjęciu, zauważysz, że Garland przedstawia wiele pięknych scen poprzez odbicia w wodzie lub szkle - to również jeden z ulubionych trików radzieckiego klasyka.

Ale zła ironia polega na tym, że zewnętrzne piękno jest obarczone wieloma niebezpieczeństwami, więc bohaterka szybko ucieka z czarującego lasu. A może Garland po prostu chce jak najszybciej umieścić swoich bohaterów w ograniczonej przestrzeni. I tu ujawnia się już druga strona talentu: autor doskonale tworzy poczucie beznadziejności. Nic dziwnego, że debiut reżyserski „Ex Machina” był niemal w całości kręcony w kilku salach. Mało tego, Garland po raz kolejny pracuje z minimalną obsadą zaledwie czterech osób.

Razem ze scenografem, dekoratorem i operatorem (we wszystkich filmach autora to samo zespół, stąd rozpoznawalny styl) reżyser zamienił stare osiedle w jedną z najbardziej niepokojących lokalizacji przerażenie. Delikatne odcienie na zewnątrz domu ustępują czerwieni wewnątrz. Tutaj każdy pokój ma swój indywidualny klimat i wiele ważnych detali. A jeśli chodzi o punkt kulminacyjny piękny dom zamienia się w klatkę, po której bohaterka pędzi z podążającą za nią kamerą.

Ale szczyt estetyki można uznać za scenę w tunelu, gdzie do pełnej symetrii i odbić w kałużach dodawane jest echo. Od tego momentu projektowanie dźwięku staje się nie mniej ważną częścią obrazu niż wizualizacje. Muzyka chóralna jest niemal nieodłączna od dźwięków samego filmu: krzyk bohaterki zamienia się w śpiew poza ekranem, głosy eskalują napięcie i mieszają się z hałasem.

Alex Garland znowu strzela powoli. Oczywiście sceny nie są tak rozciągnięte, jak w Deweloperze, ponieważ czas jest trzykrotnie krótszy. Mimo to aparat pozwala długo przyglądać się twarzom bohaterów, a sceny kręcone w zwolnionym tempie zamieniają się w obrazy. Niemal do samego końca „Male Genus” cieszy się dosłownie każdą klatką. A potem złośliwie niszczy tę estetykę najbardziej brutalnym horrorem ciała, aby pozbyć się jakiejkolwiek romantyzmu obrażeń.

„Płeć męska” nie zniesie każdego widza. Wygląda jednak na to, że Alex Garland celowo przekształcił film w test. Przedstawia swoje myśli nawet zbyt bezpośrednio, ale reakcja na to, co się dzieje, będzie indywidualna. Ktoś będzie się śmiał w najbardziej niekomfortowych momentach, ktoś zamknie oczy, ktoś wręcz przeciwnie, nie będzie mógł oderwać się od ekranu.

Ale niezależnie od pierwszych emocji film z pewnością pozostawi mocne wrażenie. Ponieważ nie można zignorować jego znaczenia. Słowa, które wypowiadają spotkani przez bohaterkę mężczyźni, można znaleźć dosłownie w każdej dyskusji o związkach. Uczucia, których doświadcza, są znane każdemu, kto miał kontakt z toksycznymi ludźmi. Tyle, że reżyserowi udało się nie tylko opowiedzieć o tych uczuciach i pokazać je, ale także sprawić, że poczuje się traumę. I to jest tak samo irytujące, jak ważne.