Jak filmowcy pomagają widzom pokochać ich filmy
Kino / / December 30, 2020
Najczęściej rozmawiając o kinie, mówi się o fabule i grze aktorskiej. Oczywiście są to ważne elementy każdego filmu. Ale tak się składa, że nie można oderwać wzroku od jakiegoś obrazu, choć akcja rozwija się bardzo wolno, a inna historia szybko się nudzi, mimo wielu wydarzeń. Niektórym autorom udaje się wmówić widzowi najbardziej fantastyczne zwroty akcji, podczas gdy inni tworzą nawet prawdziwe sytuacje jak zabawki. I po prostu fajnie jest oglądać niektóre taśmy, podczas gdy inne są trudne.
Chodzi o to, że oprócz fabuły i aktorów istnieje wiele ciekawych sztuczek technicznych, za pomocą których reżyserzy pomagają widzowi poczuć akcję i cieszyć się tym, co dzieje się na ekranie. Te subtelności mogą nawet nie zostać zauważone, ale nadal mają duży wpływ na odbiór obrazu.
Spektrum kolorów
Pierwszą rzeczą, na którą należy zwrócić uwagę, jest to, że kolory w filmach często nie są takie same jak w prawdziwym życiu. Może to być dość oczywiste (na przykład, jeśli obraz jest czarno-biały) lub nie zdajesz sobie z tego sprawy od razu. Ale to nie przypadek.
Stwórz atmosferę
Za pomocą kolorów możesz lepiej oddać atmosferę tego, co się dzieje, stworzyć nastrój w widzu, a nawet pokazać uczucia samych postaci.
Weźmy na przykład popularną franczyzę „X Men». W głównej serii filmów jasny i bogaty obraz przypomina komiksy. I w przeciwieństwie do nich w noir „Logan”, gdzie opowiadają o starości i zmęczeniu bohatera, wybierane są jaśniejsze tony.
W filmie „Mad Max: Fury Road” większość akcji rozgrywa się w gorącej pustyni. Logiczne jest, że zdjęcie zostało wykonane w żółto-pomarańczowych odcieniach, które sprawiają, że czujesz palące słońce i suchość.
Dla jasności możesz wziąć ramkę i zmienić schemat kolorów. Od razu będzie się wydawać, że zrobiło się zimniej.
Aby stworzyć kontrastowy obraz, nowoczesne hity i ogólnie kino masowe są bardziej niebieskie i pomarańczowe.
A oto słynny Wes Anderson uwielbia delikatną różowawą paletę. Daje widzowi wrażenie starego romantycznego filmu. A wszystko, co się dzieje, jest odbierane spokojniej i łatwiej.
Kiedy chcą stworzyć atmosferę przyszłości i fantazji, często też stają się niebieskie. A szczególnie uwielbiają neonowe kolory, które w głowie widza są mocno związane z cyberpunkiem i technologią.
Nie trzeba dodawać, że autorzy horrory wolą ciemne kolory. Dzieje się tak z kilku powodów. Oczywiście jest to częściowo sposób na pompowanie atmosfery. Wiele osób boi się już ciemności, aw horrorach kryją się też potwory.
Dodatkowo ciemny obrazek pozwala lekko ukryć niedoskonałości grafiki czy makijażu i zaoszczędzić na produkcji. To prawda, istnieje w tym niebezpieczeństwo: jeśli zbyt mocno przyciemnisz kadr, widz może po prostu nie zobaczyć, co dzieje się na ekranie, szczególnie w kiepskim kinie lub na starym telewizorze. Tak było na przykład w filmie Slenderman z 2018 roku.
Chociaż niektórzy oryginalni reżyserzy mogą grać w przeciwieństwie. Na przykład Ari Astaire w „Przesilenie dnia z nocą„Pokazał typową atmosferę horroru: bohaterowie trafiają do odosobnionej wioski, w której dzieją się straszne rzeczy.
Ale jednocześnie obraz jest bardzo jasny, prawie nie ma w nim ciemnych scen, a ubrania bohaterów są śnieżnobiałe. A to czyni go jeszcze straszniejszym, bo przed horrorem nie ma gdzie się schować.
Czytam teraz🔥
- 25 najlepszych seriali telewizyjnych 2020 roku
Oddzielanie części wykresu
Jeden film może mieć kilka różnych filtrów kolorów. Służą do wyraźniejszego oddzielania historii. Przy odpowiednim talencie takie podejście pomaga rozjaśnić obraz.
Świetnym przykładem jest „Matryca». Logo tej taśmy zostało wykonane z zielonych symboli kodowych, oznaczających program, w którym żyją ludzie. Dlatego wszystko, co dzieje się w wirtualnym świecie, zostało sfilmowane przez zielonkawy filtr. A prawdziwe wydarzenia są pokazane na niebiesko.
Dopiero na samym końcu trzeciej części, kiedy ludzie i maszyny zawarli porozumienie pokojowe, w kadrze pojawiają się jednocześnie czyste niebieskie i zielone kolory.
W filmie Christopher Nolan Postacie „Początku” przechodzą ze świata rzeczywistego do snu, potem do snu we śnie i tak dalej. Aby wyraźniej rozdzielić „warstwy”, reżyser wybrał dla każdej z nich własną kolorystykę.
Na pierwszym poziomie snu wszystko jest sfilmowane niebieską paletą, druga żółta, trzecia biała. I dopiero w ostatnim śnie wszystkie odcienie łączą się ponownie, jak w prawdziwym świecie.
W Blade Runner 2049 Denis Villeneuve różne kolory oddawały zarówno lokalizację, jak i stan wewnętrzny bohatera.
Wszystko zaczyna się od postaci Ryana Goslinga wędrującej we mgle, a następnie przechodzi przez gorącą pomarańczową pustynię, neonowy futuryzm i nocną powódź. A historia kończy się na śnieżnobiałym tle, odzwierciedlającym spokój i oczyszczenie.
Odmowa koloru
Kiedyś wszystkie filmy były czarny i biały. Po prostu dlatego, że nie wiedzieli, jak inaczej fotografować, a ramki można było pokolorować tylko ręcznie. Potem pojawiły się kolorowe filmy, a kinematografia stała się znacznie bardziej realistyczna.
Ale jednocześnie fotografia czarno-biała nie należy do przeszłości. Nadal są wykorzystywane do celów artystycznych. Na przykład, aby nakreślić różne światy lub historie.
Tak więc w Czarnoksiężniku z krainy Oz 1939 kolor pojawia się, gdy Dolly wkracza do świata wróżek.
W „Stalkerze” Andrieja Tarkowskiego kolory są również nieobecne w zwykłym życiu bohaterów. A kiedy bohaterowie trafiają do mistycznej „Strefy”, świat rozjaśnia się - to tutaj ludzie naprawdę się ujawniają.
Albo cały ten sam Christopher Nolan na taśmie „Remember” pokazał jedną część akcji w kolejności bezpośredniej, a drugą - odwrotnie. Dlatego połowa filmu jest kręcona w kolorze, a druga w czerni i bieli.
Ponadto czarno-biały obraz pozwala na bardziej żywe podkreślenie niektórych szczegółów, po prostu dodając do nich kolor. Po raz pierwszy zrobił to Siergiej Eisenstein, kiedy ręcznie malował flagę na pancerniku Potiomkin z 1925 roku.
Następnie technika ta została wykorzystana w zupełnie innych gatunkach. Na „Liście Schindlera” Steven Spielberg pojawienie się dziewczyny w czerwonym płaszczu staje się jednym z najbardziej emocjonalnych momentów.
I nawet w komiksie Sin City podejście to jest używane wielokrotnie, z naciskiem na czerwoną szminkę, jasne oczy lub krew.
Konstrukcja ramy
Zasada trójpodziału
Jedna z podstawowych zasad zarówno kina, jak i fotografia. To jest coś w rodzaju uproszczonej zasady „złotego podziału”.
To proste: podczas nagrywania ekran jest podzielony na trzy części w pionie i poziomie. Najważniejsze elementy działki powinny znajdować się na tych liniach, a także na ich przecięciu. Ułatwi to widzowi skupienie się na pożądanych punktach.
Umieść w kwadracie
Jeśli warunkowo podzielisz klatkę na pół lub na cztery równe części, możesz sprawić, że widz bez słów zrozumie, jakie miejsce zajmuje postać w historii.
Ta technika jest najlepiej widoczna na taśmie „Napęd” Nicholas Winding Refna. Na przykład, jeśli twarz głównego bohatera jest pokazana w lewym górnym rogu, aw kolejnej ramce w tym samym miejscu pojawi się inna postać, to jest to wskazówka, że bohaterowie będą rywalami.
Ponadto ten sam Refn może opowiadać równolegle dwie historie: w górnej i dolnej części ekranu lub w lewej i prawej połowie. Widz może nie zauważyć tego ruchu, ale mimo to percepcja postaci będzie pełniejsza. Poza tym jest po prostu piękny.
Symetria
Kolejna technika psychologiczno-estetyczna jednocześnie. Często zdjęcia, w których lewa połowa odbija prawą połowę, są wykonywane tylko dla piękna.
Ale czasami przekazują sprzeciw postaci. A jeśli bohater spojrzy w lustro, to pokaże jego ciemną stronę lub różnicę między snami a rzeczywistością. Jednym słowem, każda alegoria, o której można pomyśleć jako refleksja.
Holenderski róg
Aby pokazać niestabilność głównego bohater, jego wątpliwości co do czegoś lub problemy z pamięcią, wykorzystują bardzo wizualną technikę. „Holenderski kąt” oznacza, że kamera nie strzela prosto, ale jest przechylona. Wiele przykładów tego podejścia można znaleźć w filmach Danny'ego Boyle'a.
Widz nie jest przyzwyczajony do patrzenia na obraz pod kątem, więc lepiej dostrzega niewygodny stan postaci.
Jednak ważne jest, aby zachować tutaj miarę. Na przykład katastrofalny film „Battlefield: Earth” został nakręcony w całości pod kątem. Ale za półtorej godziny widz najprawdopodobniej będzie miał tylko ból szyi.
Strzelanie z dołu i z góry
Kolejna z prostych, ale skutecznych technik, która pozwala oddać poczucie własnej wartości bohaterów. Możesz więc na przykład pokazać, kto jest panem sytuacji. I wtedy natychmiast przychodzą na myśl taśmy Quentin Tarantinogdzie postacie patrzą w dół do bagażnika.
Strzelanie z góry powoduje, że bohater czuje się niepewnie. Oto, jak zabawnie zagrali to w słynnej scenie z filmu „O czym rozmawiają ludzie”, w której postać Kamila Larina niczym dziecko usprawiedliwia portierowi w drogiej restauracji:
Dialog i ruch
Działanie w tle
Technika najczęściej używana w komedii lub horrorze. Na pierwszym planie nic ciekawego się nie dzieje. A najważniejsza rzecz rozwija się na tle, które można przyciemnić lub rozmyć.
Na przykład główny bohater filmu „Zombie o imieniu Sean"idzie do sklepu. Wszystko jest dla niego bardzo przyziemne. A w tle prawdziwa apokalipsa:
W zależności od gatunku i prezentacji może to wywołać bardzo zabawny efekt lub napięcie - w horrorach główni krzykacze są często ukrywani.
Rozmowy w ruchu
Najpopularniejszym rodzajem dialogu w filmach jest to, że postacie siedzą i rozmawiają. W tym przypadku aparat tradycyjnie przełącza się między twarzami.
Ale jeśli scena stanie się zbyt długa, to widz zmęczyć się ciągłym powtarzaniem tych samych kątów. Dlatego dobrzy reżyserzy albo uzupełniają, albo zmieniają scenerię takich scen.
Tak więc w filmach Quentina Tarantino bohaterowie mówią prawie bez przerwy. Ale mistrz nie pozwala się nudzić, ponieważ podczas jazdy mogą toczyć się dialogi. Dzięki ciągłej zmianie tła akcja nie wydaje się monotonna.
A nawet jeśli postacie są w tym samym pokoju, kamera nie przełącza się po prostu. Potrafi po nich poruszać się, tworząc efekt obecności, a nawet udziału w rozmowie. Prawie wszystkie postacie można zobaczyć bez zbędnej edycji.
Nicholas Winding Refn potrafi wykorzystać wspomnianą już grę z kolorem i odbiciami w prostej rozmowie. W Drive pierwszy dialog bohaterów wydaje się bardzo prosty.
Ale w tym samym czasie charakter Ryan Gosling jest zawsze na niebieskim tle (ta kolorystyka towarzyszy mu przez cały film). A bohaterka Carey Mulligan stoi przy pomarańczowych ścianach. A to pokazuje, że coś ich dzieli, chociaż są blisko.
Reguła 180 stopni
Podczas filmowania jest jeszcze jeden ważny punkt. Jeśli podczas zmiany kątów przesuniesz kamerę o więcej niż 180 stopni, widz będzie zdezorientowany. Na przykład, gdy bohater biegnie, okaże się, że odwrócił się i porusza się w przeciwnym kierunku.
I to jest równie ważne nawet podczas dialogów. Aby nie stwarzać wrażenia, że wszyscy w kadrze ruszyli gwałtownie, operator i reżyser wybierają pewną linię, poza którą kamera nie powinna wychodzić.
Ciekawe, że celowe naruszenie tej zasady może służyć tylko do zmylenia widza, pokazania zagubienia bohatera. Autorzy z należytą wyobraźnią tworzą bardziej niezwykłe sceny. Na przykład rozmowa Gollum Ze sobą. Postać jest po prostu pokazywana z różnych stron, ale daje to efekt, że mamy dwóch mówców i rozmawiają.
Funkcje instalacji
Montaż pozwala na dynamizację akcji filmu, „pomijając” nudne chwile życia i pozwalając spojrzeć na to, co się dzieje z różnych punktów widzenia. Jego najprostszą formą jest narracja. Oznacza to, że zdarzenia w kadrze następują po sobie. Najwyraźniej zostało to wyjaśnione w The Man from Boulevard des Capucines.
Ale wydarzenia z filmu można pokazać w inny sposób, a do tego używają różnych technik.
Instalacja równoległa
W przeciwieństwie do narracji sekwencyjnej, czasami autorzy chcą, aby widzowie zobaczyli, co dzieje się w tym samym czasie w różnych miejscach. I wtedy dyrektorzy odnoszą się do okablowania równoległego.
To sprawia, że fabuła jest bardziej pełna wydarzeń. Ale potrzebna jest ostrożność. Wszakże pokazując kolejno sceny, które rozgrywają się jednocześnie, można odnieść wrażenie, że każda z nich trwa dłużej.
Uderzającym przykładem nieudanej edycji równoległej jest „Fast and Furious 6”. Bohaterowie próbują uciec samolotem jadącym po pasie startowym, ścigają ich samochody, a wewnątrz liniowca toczy się walka.
Autorzy pokazują na raz tyle zdarzeń, że na ekranie samolot wydaje się przyspieszać przez co najmniej 15 minut. Nie trzeba dodawać, że to zabija cały realizm sytuacji?
Z drugiej strony Christopher Nolan jest powszechnie uważany za mistrza edycji równoległej. Reżyser wykorzystuje go w wielu swoich pracach, ale najlepszym przykładem jest Incepcja. Wydarzenia na różnych poziomach snu zachodzą jednocześnie i z różną szybkością (w głębszym śnie czas płynie wolniej).
Tutaj do akcji dochodzi wspomniana już separacja kolorów i widz nie gubi się w tym, co się dzieje, ale zdaje sobie sprawę z całej globalności wydarzeń.
Nawiasem mówiąc, ciekawe jest to, że w filmie „Dunkierka” Nolan jest jeszcze bardziej dowcipny dzięki tej technice. Pokazuje równolegle wydarzenia rozgrywające się na lądzie, w wodzie i powietrzu. W rzeczywistości chronologia jest zupełnie inna, a wszystko zbiega się dopiero w finale.
Flashback i Flash Forward
Czasami autorzy osadzają wspomnienia z przeszłości - retrospekcje - w linearnej historii bohaterów. Mogą to być bardzo krótkie, kilkusekundowe błyski lub całe historie.
Wielki miłośnik takich chwil - Jean-Marc Vallee. Tym samym dodaje napięcia pozornie spokojnym scenom. Albo daje do zrozumienia, że bohater kogoś oszukuje: mówi jedno, ale w jego wspomnieniach pojawia się coś zupełnie innego.
Nietrudno zgadnąć, że flashforward to te same historie, ale z przyszłości. Są używane rzadziej, zwykle w science fiction lub mistycznych opowieściach. Na takiej technice zbudowano nawet całą serię, w której podczas pewnego zaćmienia każda osoba widziała chwilę ze swojego przyszłość.
W dalszej części fabuły wszyscy starają się znaleźć przyczyny tego, co się wydarzyło i zrozumieć znaczenie swoich wizji. Seria została nazwana tak: Flashforward (w tłumaczeniu rosyjskim - „Pamiętaj, co się stanie”). To prawda, że wytrzymał tylko jeden sezon.
Rozcięcie
Ta technika ma już zastosowanie do edycji liniowej. Oznacza to ostre przejście między strzałami. Używają go do zupełnie innych celów.
W Little Shop of Horrors Franka Oza ten montaż pomaga pokazać długi i nudny upływ czasu.
Ale Lars von Trier, który również często używa w swoich pracach skoczka, przekazuje w ten sposób emocjonalny stres i niestabilność psychiczną bohaterów. Fotografowanie w ten sposób sprawia, że obraz jest bardziej „nerwowy”. W przypadku taśmy „Idioci” jest to bardzo odpowiednie:
Edycja kształtu i dźwięku
Aby różne wydarzenia pokazane w filmie były postrzegane jako kontynuacja siebie, autorzy często sięgają po wizualne zbiegi okoliczności. Oznacza to, że kontury jakiegoś obiektu w jednej klatce są powtarzane w następnej. Czasami może to wyglądać bardzo dowcipnie.
W ten sam sposób można „podpiąć” widza dźwiękiem. Krzyk kontynuuje gwizd parowca, a przemysłowy huk zostaje zastąpiony muzyka w tym samym tempie. Albo syk uszkodzonej rury zamienia się w trzask pieczonego mięsa.
Ponadto dźwięk może znajdować się nieco przed lub za tym, co jest wyświetlane na ekranie. Ma to na celu lepsze połączenie scen. Oznacza to, że widz nadal słyszy mowę i szelest z poprzedniej klatki, ale akcja już się zmieniła. Lub odwrotnie.
Brak instalacji
To odważne posunięcie: reżyserzy kręcą długie sceny bez żadnej edycji lub ukrywają to na różne sposoby.
To sprawia, że to, co dzieje się na ekranie, jest bardziej realistyczne, daje widzowi poczucie tempa samej historii. Ale oczywiście takie podejście wymaga dużo więcej prób i inwestycji. W końcu podczas przetwarzania możesz wyciąć nieudane drobiazgi.
Tak więc Joe Wright w filmie „Atonement” pokazał pięciominutową scenę z ewakuacją żołnierzy z Dunkierki podczas Druga wojna światowa. W tłumie uczestniczyło 1300 osób, sprzęt poruszał się w kadrze, aw tle dochodziło do eksplozji. To właśnie takie podejście przekazuje cały mrok i chaos tego, co się dzieje.
Nowoczesne technologie pozwalają na dokładniejszą obsługę instalacji. Pomogło też Alejandro Gonzalez Iñárritowi w zastrzeleniu Birdmana. W nim nawet nie od razu zauważysz, że cała akcja jest pokazana w jednej ciągłej klatce.
W rzeczywistości montaż jest tam, ale jest ukryty. Kleje powstają, gdy kamera przechodzi przez jakiś ciemny element.
A „Rosyjska Arka” Aleksandra Sokurowa wygląda jeszcze mocniej. Akcja rozgrywa się w Ermitażu, a reżyserowi wyznaczono jeden dzień na zdjęcia. Dlatego zdecydował się zrobić zdjęcie bez klejenia.
Zajęło to siedem miesięcy prób z 800 statystami. W efekcie od trzeciego ujęcia nakręcili cały film trwający 1 godzinę i 27 minut.
W rzeczywistości takich subtelności jest znacznie więcej. Ale wiele z nich wymaga już głębokiej wiedzy z zakresu reżyserii i kinematografii. To tylko proste przykłady, które można zobaczyć w wielu filmach. A kiedy spojrzysz na następne zdjęcie, z pewnością uderzy Cię „holenderski róg” lub długa ramka bez edycji. Ale to nie złamie magii kinematografiawręcz przeciwnie, sprawi, że oglądanie będzie jeszcze ciekawsze.
Przeczytaj także🎬
- 6 wskazówek dotyczących robienia zapierających dech w piersiach kamer akcji
- 12 znanych znaczków filmowych, które wprowadzają w błąd widzów
- Jak kręci Xavier Dolan - jeden z najbardziej obiecujących młodych reżyserów
- Światy Davida Lyncha: jak reżyser tworzy filmy o wyjątkowej magnetycznej atmosferze
- Paolo Sorrentino: jak robi zdjęcia autor „Great Beauty” i „Young Pope”